「ジパング」～　大和心

２０２４年８月１８日　５時半から～

ぶどうの木クリニック、佐賀市、佐賀県、日本

後援：在ミラノ総領事館

『Kaimami 垣間見 

～薄明かりの中で日本文化を見る～』

フロリアーノ・テッラーノ監修

MABIC (Maranello)２０１７年９月２３日– 11月１８日

「君が代 ～ 日本の伝統と変化」の２０１６年のイベントの後で、マラネッロで日本の文化の新しいイベントでございます。題名は「Kaimami 垣間見 ～薄明かりの中で日本文化を見る～」で、２０１７年９月２３日から11月１８日まで。キュレーターはフロリアーノ・テッラーノで、場所はMabicです、磯崎新の２０１１年の建築作品。Mabicの建築様式は現の形と材料と日本建築の伝統的なスタイル結合します。
平安時代の貴族は蔀戸か連子窓から垣間見る習慣がありました、そして外から中に貴族の男は貴族の女を垣間見て、感嘆して、愛に落ちました。「Kaimami 垣間見 ～薄明かりの中で日本文化を見る～」は日本の文化についての五の会議のサイクルです、日本の文化のあんまり知られていない特徴を垣間見るように。但しあの特徴は日本の日常生活の特徴です。会議の時に視聴覚資料が見せるつもりです。

これは会議の暦　

• 日時：9月23日（土曜日）18時 「五街道」 
• 日時：10月7日（土曜日）18時 「温泉」 
• 日時：10月28日（土曜日）18時 「幽霊」 
• 日時：1１月４日（土曜日）18時 「写真」 
• 日時：1１月１8日（土曜日）18時 「祭り」 後に町田仙陽さんの茶の湯 。そしてその後は、お酒と緑茶でお楽しみください。

入場無料

『Kaimami 垣間見 ～薄明かりの中で日本文化を見る～』のキュレーターFloriano Terrano（フロリアーノ ・テッラーノ） 東アジア諸国や特に日本についての文化や芸術また社会についてなど、幅広い分野で記事を書く。それらの記事はイタリアの新聞や雑誌また海外向けの月刊誌などに記載されている。様々な視点からみた東アジア諸国の文化や社会についての講演会をイタリア各地で行っている。日本人の芸術家の展覧会のキュレーターと主催者もしている。記事や活動等は彼のブログ www.higashishinbun.blogspot.com にてご覧いただけます。

町田陽子
群馬県高崎市に生まれる。
1992年より大日本茶道学会 高崎支部長（現群馬県茶道会会長）鈴木猶仙に師事する。
2001年に茶道教授資格を取得。町田仙陽宗秀の茶名を拝受する。
また同時期に装道礼法着物学園に通い、その5年後、着付けの教授資格を取得する。
2012年よりイタリアのヴェネツィアへ移住し、茶道教室を始め今に至る。

※ インフォメーションと予約

Mabic, tel. 0536240028, e-mail: biblio.maranello@comune.maranello.mo.it

Facebook: https://www.facebook.com/Kaimami-%E5%9E%A3%E9%96%93%E8%A6%8B-Visioni-sul-Giappone-in-penombra-1455736164521948/

伝統の色、誇りの色彩

～着物～

　ある国民が伝統的な民族服を着ている時こそ、まさに「その国」を感じさせるものです。極東では、それぞれの文化圏に於ける伝統的な衣装を今なお大切にしています。それを実際に身につける人は少なくなっているにしても…。

　中国は、極東の全ての文化の偉大なる母ですが、服を身につける方法やそのスタイルについても根底から影響を与えました。飛鳥時代（592～710年）の高松塚古墳（7世紀終わり～8世紀初めに築造の円墳）の壁画に表された、「飛鳥美人」のニックネームで知られる女性たちは、同時期の中国と韓国の衣装と酷似したエレガントな衣装を身につけています。中国の唐王朝（618～907年）が、男性の伝統的なフォーマル服である「深衣」（しんい）を韓国と日本の両国に持ち込んだためです。そしてこれが、韓国の韓服（はんぼく）と日本の着物それぞれの原型となっていくのです。

　しかし、日本人に認識されている「着物」の直接の原型はと言えば、「小袖」です。小袖は、元は庶民が着用していた衣服を平安時代の貴族が下着として使用するようになったもの。そして室町時代（1336～1573年）には、小袖はれっきとした衣服として着用されるようになります。そこでは、それまでの衣装の特徴であった下半身を覆う「袴」（「平安装束」を想像してみてください）がなくなり、帯で結ぶだけのスタイルとなりました。江戸時代（1603～1868年）になると小袖の袖は長くなり、帯はぶ厚くなり、こうして我々が今日知っている「着物」と本質的に変わらない着物が出来上がったのでした。

　着物の、このシンプルな「T字」の中には、深遠なる日本文化に混在する特徴が多く隠れています。素材から色、その着方に至るまで、着物はまず着物自体の存在をアピールした上で、それを身につける人に合わせてその場その場でうまく人と調和しなければなりません。
　たとえば前合わせ。襟を合わせた時に左側が上に来なければなりません。これを「右前」と呼ぶ理由は、着物を着る時に、まず右側の襟を先に身体に合わせ、次に左を重ねるからであって、「右が手前になる」という意味です。ただ、亡くなった人に白い「死装束」を着せる時には、「左前」つまり左側を先に身に重ね、次に右を上に重ねるようにします。

死装束と同じ白色の「白無垢」は、神道の結婚式つまり神前結婚式において花嫁が身につける、表裏白一色に仕立てた婚礼衣装です。このように「白装束」は、結婚の時と亡くなった時の両方で使用されます。それは、白が純粋無垢のシンボルであり、汚れを洗い清めるという意味があるからです。
　対して、まるで色が炸裂したかのような絢爛豪華な花嫁衣装である「打掛」（挙式で白無垢を着た後、会食や披露宴などでお色直しします）は、大変凝った浮き織りの錦と赤が基調の着物です。
　一方、「振袖」は若い未婚女性が着る着物であり、二十歳を迎えた成人式の晴れの舞台で着用されます。振袖の袖の長さは時に1mを超えることもあります。このように派手な女性の着物に比べ、フォーマルな場面での男性の着物はといえば、七五三に始まって結婚式、そして葬式参列に至るまで黒や濃紺やグレー。一貫して暗い色なのです。

　伝統的に着物は一枚の布（長さ11.5m、幅約36cm）で作られ、おとな一人分の着物を作れる布を「反物」と呼びます。総手縫いの着物の素材には色々ありますが、やはり絹生地のものが秀逸ですね。ところで皆さんは、着物の最良の洗濯方法をご存知でしょうか？ 伝統的には、着物を洗う時には一旦ほどき、各パーツを洗濯したあと、もう一度縫い合わせるのです。しかしそこで再利用して「羽織」にリフォームしたり、「比翼」（襟、袖口、裾などを二重にして2枚の着物を重ねたように見せる仕立て）の材料に使ったり、もしくは、子供のために小さな着物を作るといったこともできるところが、着物の多能たる所以です。

　そして、多能な着物が“自己アピール”している箇所には、どこをとってもすべてに意味があります。例えば折り目の数や帯の結び方など。帯を前面（お腹の前）で結ぶというのは花魁など遊女のやり方であって、それは芸妓と区別するためのものでした。
　最も高価とされる着物は、浮き織りをあしらったものと、「友禅染め」によるものです。友禅は、布地に模様を染めたり、実際に絵を手描きしていくというもので、江戸時代に生み出された技法です。貴族階級の高級な錦の浮き織りの着物に、安上がりに似せる方法として考え出されたのですが、その後、友禅は独自の芸術として進化していきました。そういった着物の装飾に、目下の季節のエレメント、例えば秋の紅葉の葉や春の桜の花などがモチーフとして用いられるのです。
　暑い夏の着物は、シンプルで軽い素材の「浴衣」です。日本式の旅館や温泉宿ではサービスとして貸してくれますので、日本に行ったらぜひ旅館に宿泊し、浴衣で寛いでくださいね。

　とはいえ昨今、着物文化はすっかり衰退し、今や、何かのセレモニーの場でのみ着用されるものとなってしまっています。日本人の日常生活での着物習慣はほぼ無くなっており、これは若い世代だけの話ではありません。着物の衰退は実際には、明治時代（1868～1912年）に既に始まっていました。明治天皇より「服制改めの勅愉」が下され、それに従って学校の先生や警察官、鉄道員、兵士や男子学生などは制服もしくは楽で機能的な洋服着用と規定された時から、始まっていたのです。続いて1920年代、女学生の制服として船乗りスタイルであるセーラー服が取り入れられ、それまで女学生が着用していた「袴」に取って代わります。
　戦後の産業の発展に伴い、断然実用的で着やすい洋装が躍進し、着物の需要はぐっと減り、今の日本では外出したり仕事したり買い物したりといった毎日の生活の中で着物を着る人を見かけることは、ほとんどなくなりました。

　そのような中、浅井広海（あさいひろみ）という若き着物スタイリストがここ何年か、着物を「最先端ファッション」として世界に発信しています。「日本文化のみに帰属する着物」という考え方を捨て去り「着物を普遍的で実用的な衣服として扱おう」というコンセプトは世間の支持を受けており、マスコミからもかなり注目されています。実際、海外の人々の着物への関心の高さには、目を見張るものがあります。去る5月22日まで3カ月にわたってパリのギメ東洋美術館（Musée National des Arts Asiatiques - Guimet）にて開催されていた「着物・オ・ボヌール・デ・ダム展」（Kimono, Au Bonheur des Dames）では、着物の老舗「松坂屋」（創業1611年）の着物コレクションの見事な傑作120点が公開されました（「松坂屋コレクション」には約5000点の所蔵品があるそうです）。また、昨年Mondadori Electa出版社から発行された『Kimono. L'arte del bello nella cultura giapponese』は、着物の美とそれを織り成す貴重な生地に捧げられた写真集です。
　「日の出づる国」の本質そのものである、このエレガントな衣装へのパッションが、願わくば日本においても再び沸き上がりますように。伝統に新しいスタイルを融合させるなどして、もう一度、日常生活の中で身につける衣服になれば、とも思います。

フロリアーノ・テッラーノ

日伊国交150周年記念式典一環行事

後援：在ミラノ総領事館

Kimi ga yo 君が代  

～伝統と変遷の日本を見る～

「旨みの味～日本料理」

どこで、どのようにして寿司は生まれたのでしょう？ 回転寿司はいったいどうやって始められたのでしょうか？ 寿司や刺身はどのように食べればいいの？ 寿司には様々なタイプがあるけど、その全てが日本生まれなの？ じゃあ、らーめんはどのようにして食べればいいのでしょう？ そしてインスタントラーメンはどのようにして生まれたのかな？ 日本料理の味の基本って何？『君が代 ～ 日本の伝統と変化』のキュレーター・フロリアーノ・テッラーノがこういった質問にお答えします。そして、日本料理の秘密を明らかにしたいと思います。

最近は世界中で、そしてイタリアでも日本料理は興味を持たれています。しかし知られているのは大体が寿司と刺身のみ。日本料理は寿司だけではありません。深くて多彩な伝統があるのです。

カンファレンスの後で、岡林由岐子さんによって制作された和菓子を試食していただけます。ドラ焼き（小豆餡、栗餡）、桜餅、桜饅頭、抹茶饅頭、苺大福、草餅、練り切り、みたらし団子、抹茶のマフィン、黒糖かりんとう、抹茶のクッキー、水出し煎茶。

         ※ 入場無料、予約が必要

『君が代 ～ 日本の伝統と変化』のキュレーターFloriano Terrano（フロリアーノ ・テッラーノ）  東アジア諸国や特に日本についての文化や芸術また社会についてなど、幅広い分野で記事を書く。それらの記事はイタリアの新聞や雑誌また海外向けの月刊誌などに記載されている。様々な視点からみた東アジア諸国の文化や社会についての講演会をイタリア各地で行っている。日本人の芸術家の展覧会のキュレーターと主催者もしている。記事や活動等は彼のブログ www.higashishinbun.blogspot.com にてご覧いただけます。

     

            ※ インフォメーションと予約

Mabic, tel. 0536240028, e-mail: biblio.maranello@comune.maranello.mo.it  

物の哀れ、ものごとを重んじる情緒

～伝統的な日本の物の起源と神秘～

　 物とは、日本では物品を示す言葉である。しかし古代の日本語では、「もの」は神の同義語でもあった。日本固有の宗教である神道は、全ての自然の創造物（森羅万象）と、人間の作った物には、神の霊が宿るとしている。

日本の伝統の中では、物が「有用なもの」だけを意味しているわけではない。人間が自然から
享受した「深遠なる情緒」（それは実に美的で実際的である）をも表しているのである。日本では、日常品が、その材料だけでなく本質をも自然から取り込んでいるのだ。そしてそれは自然の模造ではなく、まさに自然の一部と化すのである。日本の芸術家が、自然を変えるのではなく、自然の中に自らが加わるように … 。であるからこそ、日本においては、物が形作られるときその形や外観は、その物の「立ち場」によって、様々に変わってくるのだ。
　庭園や通りにある青銅や石の灯籠は、その役割、設置場所、そして制作に携わる職人によって、形が違ってくる。例えば雪見燈籠（写真）は、雪を集めるために上部の笠がとても大きい構造になっている。その役目は、人々に、冷たい雪の白と炎の赤のコントラストを「うっとりと眺めさせる」ことだ。雪見灯篭は庭園の中の、常に水際に設置される。水面（みなも）に映る炎が無限の反射の中に美しく裂かれるように。
　石燈籠と同じく中国や韓国で普及している紙提灯も、その日本での起こりはやはり石燈籠に同じく、六世紀終わりに仏教が伝来したことに端を発する。そして、その形、紙、色、支柱の竹部分に至るまで、実用の意味でも、宗教上の意味でも、伝統的製造方法に則って作られる。
　日本の伝統的家屋の部屋の一角に造られた空間である床の間には、掛け軸や生け花や陶器が飾られる。だが床の間はおそらく、仏教の修行僧の部屋の仏壇に由来があり、神聖な空間である。それ故、床の間に腰を下ろしたり足をかけたりすることは厳禁なのである。食事の際に使われる箸は、祭祀において神々への奉納物を清めるために使用された棒状の祭器や、死者を火葬した後に収骨する仏教儀式のための骨箸（こつばし）が、その起源のようである。
　和室の必須アイテムである畳とは、稲藁（いなわら）を畳床に、イグサを織ったゴザを畳表にした日本の床材である。そして、木の枠組みに紙を貼り付けた障子は、部屋を仕切るための半透明のすべり戸であるが、この両者は共に、薄明かりに沈む日本の伝統家屋に欠かすことのできない「主役構成員」だ。日本家屋の中に草履や下駄などの履物の
まま入ることは許されてこなかった。すべては、「自然との深い融合を有用へと繋ぐべし」という掟に従うのである。
　「もののあはれ」、それは一言で言うと「ものごとを重んじる情緒」である。この「もののあはれ」の情緒が、人間による製造品つまり家、橋、寺、日常品などと、自然の風景の生彩ある「構成員」との協調を実現させるのだが、その情緒とは、翳りや不安に満ちた日本人の魂の深遠なる淵の、外観の平穏な姿なのだ。
　現在のコンピューターとセメントの日本においても物は、自然との、いにしえからの神秘的な関係を維持している。その関係はこのロボット世界でさえも断ち切ることができなかったのである。

フロリアーノ・テッラーノ

Mono no aware

Sensitivity to things

Origin and mystery

of Japanese traditional objects

In Japan the word mono (物) means “thing”. In ancient Japanese language the same word mono meant “deity” as well. 
According to Shinto, Japan’s native religion, all natural and man-made things have their own spirit, a kind of deity called kami (神). Japanese traditional objects are not only “useful” but they show also a profound aesthetic feeling given to human beings by nature. In Japan everyday objects get from nature not only the material but the essence too. Japanese traditional objects are not imitations of nature but they are nature themselves as Japanese artists do not change nature but they partecipate in it.

As a consequence, in Japan objects’ shape and design are different depending of their position and function in the space. Tōro (灯籠), stone or bronze lanterns of gardens and roads, have different shapes relative to their location and their maker. Yukimi tōro (雪見燈籠 ), for example, is a lantern with a very wide top part made to heap snow, its function is only for contemplating the contrast between cold white snow and lantern's hot red flame. In Japanese gardens yukimi tōro is always put near lakeside to make possibile to see fire reflexes on water surface.

Chōchin (提灯), Japanese paper lanterns, are common in China and Korea as well and they come from Buddhism's introduction into Japan during the mid-6th century. Shape, paper, color and framework of chōchin are made according to functional and at the same time religious manufacturing canons.

Tokonoma (床の間, “alcove room”), is the Japanese traditional house sacred corner in which calligraphic paintings, ikebana and pottery are displayed. Tokonoma probably comes from butsudan, the altar of private Buddhist monks rooms; it is strictly forbidden to sit down and to set feet on tokonoma. Hashi  (箸), chopsticks, maybe derive from ritual sticks which were used to purify deity offerings and are still used nowadays to bring the dead bone after cremation. Tatami (畳) , woven igusa ( イグサ, Juncus effusus) straw, together with shōji ( 障子), translucent washi paper screens, are the main components of washitsu, Japanese-style room always darkness shrouded. 
Zori (草履) and geta (下駄), Japanese traditional footwear, can’t be worn in house and are made according to strong symmetry and bilance rules.

This close connection between Japanese objects and nature was explained by Norinaga Mootori (本居 宣長, 1730-1801) with his conception of mono no aware “sensitivity to things”.
Mono no aware (物の哀れ) is an innate perception by which Japanese people can have a feeling with handiworks like houses, bridges, temples, everyday objects and natural elements. 
Mono no aware is a quiet sensation which hides dark and restless depth of Japanese soul. 
Nowadays in Japan objects preserve their mysterious and old link with nature, a still living link even now in computerized and cemented Japan, a still living link which not even robots and microchips have been able to disclose.

Floriano Terrano

Beauty and practicality in hanok, 

Korean traditional house

Culture of a nation is also in the names of the objects of its own tradition and Korea transmits a deep social identity by its language. 
The prefix –han (한, 韓) in fact is linked to all the words that mean Korea or Korean. Han derivates from the name of the three kingdoms Mahan, Jinhan and Byeonhan (Samhan, 삼한, 三韓 ”Three Kingdoms”, final century BC - early centuries AD) and it means "great (one)". Han had been transliterated into Chinese characters 韓, 幹, or 刊 and some scholars consider that han could be related to Mongol word khan which means commander, leader, or ruler. Han doesn’t have any connection with the character 漢, 韓which is pronounced han as well but indicates Chinese Han dynasties. Indeed the name of Korea is Hanguk (한국, 韓國 "country of the Han"), alphabet is hangul (한글, 韓글, "Korean script" or "great script"), the traditional dress is hanbok (한복, 韓服, "Korean clothing"). On the other hand Han River (한강, 漢江), which flows through Seoul, takes its name from Chinese character 漢.

Korean traditional house is hanok (한옥, 韓屋) and it is built according to baesanimsu (배산임수, 背山臨水) which derivates from Chinese feng shui (風水). The optimal position of traditional house is with a mountain in the back and a river in the front. One of the classical parts of Korean house is daecheong (대청, 大廳) front porch for keeping the house cool during hot-humid summers. Daecheong has got a typical arching made by roof tiles called giwa made to screen out the entrance from the sun and from the lasting monsoonal rains. During the frigid Korean winter traditional houses are warmed up by ondol  (온돌 / 구들, 溫突), the wood floor underfloor heating system made by an underlying canalization of the smoke of the fire of a firebox or stove (아궁이, agungi) located to the side of the house. Korean people traditionally sit and sleep on the floor as Japanese people and many other people of Far East. Ondol is a truly genuine Korean creation and it had been the most common heating system for the houses until the 1960s.

Both the windows and the doors are screened with sheets of traditional paper hanji (한지, 韓紙 “Korean paper”) just like shōji (障子) of paper washi (和紙) in Japanese houses. 

Korean traditional houses are extremely adaptable to surroundings’ climatic and landscape characteristics.  For this reason hanok have different shapes in different Korean regions. In the South hanok present a linear  and straight shape to allow a better wind circulation inside and to mitigate the wet heat of summer. In the North hanok have a closed squared shape like Korean character "ㅁ" to arrest the flow of air inside. In this type of hanok all the rooms are joined together. In the central regions hanok has a shape similar to Korean character "ㄱ" and its characteristics are a combination of both Northern and Southern styles.

The house is one of the most important sacred places and like in China and Japan in Korea as well traditional house has its own domestic god that protects the house and the family: the Kitchen God Zao Jun (灶君) originated from Chinese religious culture. 

Perfectly balanced between beauty and practicality, hanok is deeply in harmony with surroundings and with nature of which Korean traditional houses uses the elements like wood, fire, stone and some others. This deep harmony with nature is completely missing in the modern cement buildings, for sure more convenient but finally more banal and uglier.

Floriano Terrano

香道

宗教から毎日の生活まで、東アジアにおける香

香煙が東アジアの寺院を包み込み香の香りが漂っている。香煙は常に人と神、現世と天界を結ぶ役目をしてきた。香道とは香の芸道および文化を意味し、韓国や中国にも深く根付いている。また香の道とは、香の素材である良質な天然樹脂を中国や東南アジアから中東やローマ帝国時代以降のヨーロッパへ運んでいた道、かつてのシルクロードでもある。最も貴重な香、沈香（じんこう）“水中に沈む香”は、東南アジアや特にベトナムに樹勢しているアガールウッドから採れた良質な樹脂から作られている。また伽羅（きゃら）という、アガールウッドの香料の一種でさらに珍しく貴重なものもある。アガールウッドは腐敗させることで自然と芳香が放たれる性質がある。香りは苦悩や不調を取り除く植物療法として効果があり、香は浄化や、病気の回復など常に治療の目的にも使用されてきた。
香は仏教には欠かせない物であり、寺院では香をたいて祈祷する。祈祷は香煙により神（仏）に届くとされている。香の形には最も普及されている細長いタイプのもの、または香港の有名なMan Mo寺院 (文武廟) にある様な持続性のある大きな渦巻き状のタイプもある。どの寺院の入り口にも多種多様な香炉が置かれている。
香の文化は、東アジア諸国で様々な形で広がっていった。韓国では彫刻家の作品、Cheongiaという青磁の香炉が作られている。Baekjie王朝時代（백제、紀元前18年～西暦660年）の6世紀頃に遡るが、金色の蓮のつぼみの上に不死鳥が施されたとても華麗で贅沢な作りの香炉は韓国芸術の象徴の一つである。この香炉は現在、韓国の国宝としてBuyeo国立美術館に保管されている。（n.287）
香炉の象徴学では仏教徒と道教徒の要素は統一性があるとの思想があり、韓国の磁器の芸術家はGoryeo（고려、918-1392）時代の香炉のように自然の中にある形を活かした香炉を形成する。代表的な作品としてライオンの口から香煙がでる形や、Tugak技法で穴の開いた球体を花の上に乗せた作品は国宝として韓国国立美術館に保管されている。（ｎ.95）
6世紀には仏教の普及に伴い、日本を含む東アジア全土にお香の文化が発展した。 一つの伝説がある　－　595年、推古皇后が皇后になられて3年目の年に1本の木が淡路島の海岸に流れ着いた。その木は火の近くに置かれると周囲にすばらしい香りを放ったと言われている。
その伝説後、聖武天皇の皇后である光明皇后（701-760）は、聖武天皇が崩御された756年、奈良東大寺に建てられた正倉院に名香木の蘭著待（らんじゃたい）を保管している。
この蘭著待は聖武天皇によって中国から渡来したが、起源はおそらくベトナムかラオスだと言われている。また東大寺の高価な沈香の一片は、足利義政、織田信長、徳川家康、この3人の権力者だけが所持することを許されていた。
平安時代（794－1185）日本の香の文化は、香の師が存在するまさに芸術の粋に達した洗練されたものであった。当時貴族の間で広まった源氏香とは組み香の名前の一つ。香の香りをかぎ分けその名前を当てる遊びである。源氏香とは紫式部の源氏物語の各帖から名前が付けられている。
室町時代（1336－1573）には、香は個人的に信仰の篤い富裕層に扱われるようになり、富と権力の象徴に変化していく。沈香の何種類かの値段は金の値段を超えるまでになり、そのため高価な香を持っていることが権力があると見なされていた。ある伝説に、一人の大名が彼の権力を知らしめるため、全領土に一度に500ｸﾞﾗﾑ以上もの純粋な沈香をたいたといわれている。
実際も、武士は戦に行く前、最高の威信を保つために香の香りを満たした兜を使用していた。きっと敵に首を刎ねられた時、芳香が放たれたことであろう。
今日でも香は東アジアの文化には必要不可欠なものであり、寺院だけでなく一般家庭でも宗教に関係なく日々の生活の中で使われている。毎日香は、1965年設立の日本の会社、株式会社日本香堂（www.nipponkodo.com ）の製品で、日本および世界で一番売られているお線香である。日本香堂は神仏用だけでなくアロマ用としても多種の香を生産している。製法は桃山時代（1568－1603）の伝統的な製法にヒントを得て、現代の製法と融合させて作られている。2005年より香の製造販売会社の中で韓国最大手のManbokhyang Dang (萬福香堂) 社（www.mbhd.co.kr ）が日本香堂グループの傘下に入った。彼らは香りの文化を忘れつつある欧米諸国を見て、他の東アジア諸国のように、韓国での芸術や宗教においての香の重要性を見直す取り組みを行っている。

フロリアーノ・テッラーノ

The last colours of hanbok

In Far East cheongsam or qipao (旗袍) is the national dress of China, kimono (着物) is one of the symbols of Japanese culture. The national dress of Korea is hanbok (한복 “Korean dress”) which is distinguished from the other Far Eastern traditional clothing by its loose and linear shapes and by its bright and brilliant colours. Curves shine through snug cuts in qipao – which is of Manchu origin - and in kimono. Hanbok instead hides the curves of men and of women under its loose shape.

Sober and refined elegance of hanbok is the fruit of a slow and gradual evolution of Three Kingdoms period clothing (57 BC– 668 AD). Even if nowadays cloth of this age doesn't hang over, we can look at some paintings of everyday life scenes of men and women wearing clothes very similar to hanbok in Goguryeo Kingdom tombs dating back to IV and VI centuries like in Muyongchong, the Tomb of the Dancers. In these paintings there is quite no difference between male and female clothing. In majority of tomb paintings both men and women wear clothes very similar to trousers which are “ancestors” of baji (바지), the lower part of male hanbok which is loose and comfortable to let men sit down easily on floor. Perhaps this kind of clothing is typical of Korean society during Goguryeo Kingdom which is profoundly influenced by China and it is made up of nomads who use horses to move. It's probably for the necessity to ride horses that baji is used by women as well, in fact that clothing is easy to wear on horseback too.

The distinction between male and female hanbok begins only in Unified Silla Korea (668 - 935). During this age chima (치마) - the full skirt of female hanbok - appears and jeogori (저고리) - the upper garment - begin to be longer in male hanbok. Korean art of this period is under the influence of Tang China and silk clothing begins to be used by royal court and upper class together with ceramics and paintings. Silk hanbok of nobles is sumptuous and brightly coloured. In Unified Silla Korea hanbok of upper classes must be woven with poor textile like cotton and hemp and its colours must be pale and weak like white, pink, light green and grey. Nowadays colours of hanbok depend on the age of people wearing it and on the occasion in which it is weared and its colours not depend on status anymore. Women wear a yellow jeogori and a red chima before wedding. After marriage ceremony women wear a green jeogori and the same red chima while curtseying father-in-law and mother-in-law. During the first birthday male children wear dol hanbok constituted by a pinkish jeogori and by a blue goreum (고름) - the coat ribbon which do up hanbok - female children wear a coloured flower patterned jeogori.
In Koryo period (918 - 1392) female hanbok changes under the influence of Mongol culture of China and otgoreum (옷고름) - the ornamental ribbon - appears together with baerae (배래), the curved sleeves which resemble the shape of Korean house roofs. In these years chima of female hanbok get shorter as baji of male hanbok. During Joseon dynasty (1392-1910) Chinese Confucian art influences Korean culture and hanbok as well. Nowadays the style of hanbok used in ceremonies and in traditional festivals is the same of Joseon Korea. By now Korean people - above all the youth - use to wear hanbok almost only during celebrations. Even if a more modern and easier to be worn model of hanbok has been created - for example by Korean stylist Bae Yeong-jin - almost all Korean people wear Western style clothings. I. e. suit and necktie for male employees, tailleur for female employees, jeans for young people. And so all the people - in East like in West - become more and more similar each other and without colours. When Westerners reached Far East - that Far East which had been remote and unknown for long time – they brought with them their clothing too. Orientals began to dress up as Westerners and they put their traditional clothes in the closet or they sold them to foreign tourists, who were desirous of souvenirs and exotic objects. Nowadays qipao is worn almost only by Chinese restaurant waitresses, Japanese people themselves are nearly surpised at looking at someone wearing kimono in the street and also in Korea hanbok is becoming only a “picture postcard” for tourists.
There is only a place in which hanbok is still used in everyday life. Chunghakdong (청학동마을) - a village on Mount Jirisan in Gyeongsangnam-do province of South-Eastern Korea - where 200 people still live. Inhabitants of this village - the name of which means "community where the crane of blue feathers lives" - still wear coloured hanbok in everyday life in a natural and pride way. They alone hold out bravely against the grey cities wearing shirts and trousers.

Floriano Terrano

한복의 마지막 색상

동아시아에는 각각 그 나라를 대표하는 전통 의상이 존재한다. 중국에는 ‘치파오’와 ‘청삼’이 있으며 일본에는 ‘기모노’가 있고 한국에는 바로 ‘한복’이 있다. 한복은 중국의 치파옹 약 일본의 기모노에 비해 약간은 헐렁하면서 선이 살아 있고 다채로운 색상으로 이루어져 있다.
중국의 치파오(만주지역이 기원)와 기노모가 선을 살린다면 한복은 완만한 형태를 이루어 남성과 여성의 곡선을 감추는 절제미를 가진다. 섬세하고 귀품 있는 한복의 형태는 삼국시대(고구려, 백제, 신라 시대. 기원 57년~서기 668년)에서 그 발전된 형태를 갖추었다.
비록 삼국시대의 한복은 현재 찾아볼 수 없을지라도 그 형태를 4~6세기의 고구려시대 고분 벽화에서 엿볼 수 있다. 고구려 시대 벽화에는 당시 사람들의 일상복을 그려놓았다. 벽화에 비추어 볼 때 당시 고구려 시대에 남성과 여성의 의복이 다를 것이 없을 듯 보인다. 대부분의 벽화에는 남성과 여성의 의복 중 남성 의복 하의는 활동성이 있는 헐렁하면서 편안한 형태를 가지고 있어 현재 바지의 선조라 할 수 있는 트라우즈(남자 양복바지)와 매우 유사하다.
고구려시대의 의복(한복)은 특히 중국의 영향을 받아 다채로운 변화가 일어난 것으로 보인다. 특히 고려 후기에는 원나라(몽고)의 영향을 받아 유목민의 의복 형태를 띄는데 여자도 ‘장고(長袴, 통이 넓고 발목에서 많은 여분을 나타내면서 끝단지 여민 형태)’ 를 가진 바지를 입었는데 말을 탈 때 편하게 하기 위함으로 추정된다. (* 현재의 한복은 남성과 여성의 옷이 크게 차이나지만 고구려 벽화에 남아있는 남녀의 의복은 그렇게 큰 차이를 보이지 않았다.)
남성과 여성 한복의 구분은 통일신라시대(668~935년)에 시작된다. 이 시대에 여성의 한복에는 치마가 나타나며 남성의 한복에는 저고리가 길어지기 시작한다. 통일신라시내에는 한국의 문화가 당나라의 영향을 많이 받게 되는데 통일신라의 기본복식 구조에 새로운 당나라의 복식제도의 일부가 합쳐져 발전하게 된다. 또한 왕족은 비단으로 한복을 만들고 의복에 자수를 하거나 그림을 그려 넣으며 호화롭고 밝은 색상으로 치장된다. 비해 양반(귀족)들의 의복은 비단에 비해 질적으로 낮은 목화와 삼 등으로 짜여져야만 했고 색상은 하얀색과 분홍색, 연두색 그리고 회색 같은 옅으며 화려치 않은 생삭으로 치장되어야만 했다. 당시에는 한복의 색상은 계급과 나이 그리고 직급에 따라 결정되었다.
여자들은 결혼 전과 후에 저고리의 색상이 달랐는데 혼례(결혼)를 치르기 전에는 노란 저고리와 빨간 치마를 입고 혼례 후에는 녹색 저고리와 빨간 치마를 입었으며 시집에서 몇 일동안 머무는 것이 관례였다. (* 남자들의 혼례 여부는 상투(복두를 통해 머리를 감아올리는 것)로 알아볼 수 있었는데 혼례를 올린 후에 상투를 틀었다.)
아이들의 돌빔(돌옷)도 구분이 있었는데 남자아이 돌빔은 분홍빛 저고리와 파란 고름으로 이루어졌으며 여자아이 돌빔은 꽃무늬가 있는 저고리가 있었다.
고려시대(918~1392)에는 몽골문화의 영향을 받아 여자한복의 형태가 변화된다. 옷고름 (저고리를 여미는 리본 모양의 헝겊 끈)이 나타나며 배래(가옥 지붕 모양으로 소매 아래쪽에 불룩하게 둥글린 부분) 형상을 가진다. 남성 바지와 함께 여성 치마의 길이도 짧아진다.
조선왕조시대(1392~1910)에는 중국 유교문화의 영향을 강하게 받는데 이는 한복에도 큰영향을 준다. 근대에서 현재까지 한국 전통 축제나 의복으로 사용되는 한복의 형태는 조선왕조시대의 것이다.
현대생활에서 ‘한복’이라 함은 한국에서 명절이나 결혼식 등에서만 사용되는 의복이며 좀 더 세련되고 편안한 형태인 ‘개량한복’이 만들어지기도 하지만 일상생활에서는 양복, 여성복, 청바지 등 대부분이 일반 서양 의복을 착용한다. 이와 같이 한국을 비롯해 동양 사람들은 그들의 전통 없이 서양의 문화에 더욱 더 동화되고 있다. 동양사람들은 서양사람들처럼 입고 그들의 전통 의상들을 옷장에 가두어 놓거나 외국 관광객들에게 선물을 하고 있어 아쉽다. 중국의 치파오는 중국식당 웨이트리스가 입은 모습만을 볼 수 있고 일본 사람들은 거리에서 누군가가 기노모를 입은 모습을 보며 놀람을 금치 못하고 한국에서는 관광객용 엽서사진에서 한복을 만나볼 수 있다.
한국에는 한복을 매일 입고 사는 ‘청학동마을’이라는 곳이 있는데 한국(남한)의 남동쪽인 경상남도의 지리산 기슭에 위치하며 200명 정도의 주민이 살고 있다. ‘청학동마을’은 ‘옛부터 사람이 살기 가장 좋은 이상향의 마을’을 지칭하는 이름으로 이 마을에서는 아직도 전통적인 차림을 고수하며 마을 사람들의 복식이나 두발은 조선시대의 형태를 그대로 지니고 있다.

플로리아노 테라노